Cristóbal Hara: El camino de los colores de un hombre indomable por España | Babelia

Cristóbal Hara (Madrid, 1946) dice que lo más parecido a caminar por la calle con una cámara es pasear a un perro. El animal «puede estar muy bien entrenado, puede obedecer cualquier cosa que le mandes, puedes estar muy seguro de su comportamiento, pero no te dejes engañar: está viendo el mundo de una manera totalmente diferente a la tuya». El autor, por tanto, nunca ha sido fotógrafo de anécdotas, con ganas de ir más allá, de ahondar en la reflexión sobre las formas y la construcción de la propia imagen, recordando al poeta y pensador francés Paul Valéry cuando decía: “Ver es ver olvídate del nombre de las cosas que se pueden ver «. Así, durante más de cinco décadas ha puesto su cámara en «suerte de colisión». Y en busca de ese inesperado que asombra al propio fotógrafo y luego sorprende al espectador, ha aportado algunas de las instantáneas más influyentes del imaginario fotográfico español. Una obra en la que resuena la tradición de la pintura barroca española, con toda su crudeza y laceración, filtrada por el emotivo recuerdo de la infancia del fotógrafo. En él se diluye el borde que separa el documento de la ficción.

Nació el mismo día que Goya, 200 años después. No sin broma, al fotógrafo le gusta señalar que, como el pintor aragonés, «trabajó como reportero en blanco y negro y acabó haciendo tonterías en color». Huérfano de su madre, pasó la primera fase de su infancia en Filipinas, luego entre Estados Unidos, Alemania y España. El tiempo que pasó con su tío, el pintor Fernando Zóbel, habría sido decisivo para él. Fue en la casa de un familiar en Madrid donde observó por primera vez la magia que emergía del cubo en una habitación oscura. Por lo tanto, me gustaría advertir que este momento es solo la etapa final de todo un proceso. Años más tarde el artista abstracto le vendió su ampliadora y le regaló su vieja cámara M2 con dos lentes. Serían las herramientas de este joven que abandonó sus estudios de derecho y administración de empresas para dedicarse a la fotografía.

Los recuerdos de su paso por un internado jesuita en Valladolid, donde llegó cuando tenía nueve años y apenas hablaba español, dejarán una huella imborrable en la vida del fotógrafo. Entonces habría cruzado por primera vez la llanura castellana. «España me marcó emocionalmente», recuerda el autor en su última monografía, Christopher Hara. color españa 1985-2020, publicado en español por RM (y en inglés por Plague Press). El proyecto, editado y secuenciado por el propio Hara, fue impulsado por Gonzalo Golpe, editor independiente, quien logró convencer al esquivo autor de la importancia de recuperar su fotografía en formato editorial para las nuevas generaciones. Entre sus monografías se encuentran algunas de las obras más influyentes de las últimas décadas que hoy están agotadas. De esta forma, a esta última publicación le seguirá otra, en preparación, dedicada a la obra en blanco y negro del autor que ganó el premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria fotográfica española durante el festival PHotoEspaña en 2016.

“Hay un trasfondo muy personal en el trabajo de Hara. Nunca ha sido fotógrafo de documentales ”, subraya Golpe. “Rara vez trabajaba a comisión. Los temas que desarrolló nunca han tenido importancia como temática, ya sea la serie que dedica al mundo taurino o a las fiestas populares. En las fotografías que dedica a los toros está claro que lo que le interesa es su investigación sobre el volumen y la forma. Asimismo, los caballos capturados se presentan como bestias que solo se convierten en caballos cuando son domesticados. Conectan directamente con la personalidad del fotógrafo y con sus experiencias en el internado ”.

La publicación incluye un texto donde, en primera persona, habla el artista. Un escrito «extraído sin poco dolor», como lo describe Golpe, de las conversaciones mantenidas con el autor, generalmente reacio a hablar de sí mismo, durante tres días. A través de un lenguaje directo, conciso, honesto y cargado de contenido (en línea con las características que distinguen su trabajo artístico), Hara conduce al lector por los recovecos de su fotografía y de su vida. «Solo pude progresar como fotógrafo cuando comencé a curarme como persona», es sincero.

«Crecí con referentes culturales distintos a los españoles», subraya el fotógrafo, que no se instalará definitivamente en España hasta 1980. «Creo que esto me permitió fotografiarlo con suficiente profundidad, pero con una distancia pequeña y sin complejos». . La suya es una mirada sensacional que se aleja del estereotipo, aderezada con ironía y humor; para una extrañeza, que a veces roza lo grotesco y lo brutal, siempre rebelde, pero también tierna, irrumpe en la banalidad de lo cotidiano, capaz de traer nuevos reflejos.

En aquella España de los 80 a la que regresa Hara, la profesión de fotógrafo no se podía ejercer de la misma forma que se practicaba en los demás países que conocía. «Hubo un retraso de décadas», dice el autor, que expuso sus obras en el Victoria & Albert Museum de Londres a la edad de 28 años. Por ello, se propuso hacer dos cosas: hacer un libro sobre España -objetivo que ha logrado y que culmina con este compendio- y luchar para que el fotógrafo pueda ejercer su profesión con dignidad. “Está claro que he fracasado en este segundo objetivo”, añade este artista que se distingue por una ética firme y bien construida en la defensa de los derechos de autor de los fotógrafos y en la promoción de la creación de un centro fotográfico en España.

Eran los tiempos de la Movida. Un movimiento contracultural que según el autor “era más en apariencia que en sustancia. Fue como el motín de los niños cuando la maestra desaparece. Todo lo anterior fue rechazado y había que ser moderno a toda costa, pero parecía que lo moderno consistía sólo en imitar y exagerar lo que ya se había visto en el exterior ”. Enmarcado dentro de la relación tradicional, su obra no solo carecía de interés, era atacada y menospreciada. La compensación llegaría un poco más tarde, y desde fuera, cuando, en 1994, Hara sería incluida dentro. espectador, un libro histórico sobre fotografía callejera, firmado por el escritor y comisario Colin Westerbeck y el fotógrafo Joel Meyerowitz, cuyos ensayos e imágenes incluyen el trabajo de un grupo diverso de artistas que incluyen nombres como Atget, Stieglitz, Cartier-Bresson, Brassaï, Arbus o Winogrand , Sólo para nombrar unos pocos.

«Lo malo es que fui el primero en no estar satisfecho con el trabajo que estaba haciendo», reconoce el fotógrafo. Así, tras una crisis en la que estuvo a punto de abandonar la fotografía, en 1985 Hara pasó al color. Este cambio le permite recuperar muchos recursos formales que bajo la influencia de Zóbel había observado en la pintura. De Motherwell incorpora el uso formal del toque de color. De Cézanne aprende a ordenar lo que ve en formas geométricas, lo que lo acerca «a reflejar la realidad de la máquina». A través del estudio detenido de El Españoleto, Velázquez o El Bosco, aprenderá a deformarse, a relacionar primeros planos según el ritmo visual de lo que le rodea. Al mismo tiempo, se sintió atraído por la naturalidad de la nueva fotografía estadounidense, que recordó a los defensores puristas del blanco y negro en la década de 1970 que el color es la vida misma. Así, poco a poco, el color aplicado a la España fuerte y sombría llegó a simbolizar la libertad bajo la mirada de Hara.

Cabe recordar que en ese momento aún no se había publicado La Chanca en color, que el pionero Carlos Pérez Siquier llevará a cabo a mediados de los años sesenta. “Al principio mi enfoque del color no era correcto, me acercaba a las imágenes a través de los colores. Solo mucho tiempo después aprendí a absorber situaciones en su totalidad e integrarme en ellas para buscar apoyo formal cuando ya estaba adentro ”, reconoce Hara. El color implicaba un área de poco control para el fotógrafo, que activaba su subconsciente. Ayudaría a “romper la corrección de la imagen en favor de un interés emocional”. Por supuesto, no puede “convertirse en un experto en demoliciones sin conocer primero la construcción a la perfección”, advierte.

«¿Eres un artista?» Juan María Rodríguez le pregunta a Hara en una reciente entrevista, realizada en la plataforma de podcast de fotografía Marco completo. «Soy fotógrafo», responde este. «Y si puedo ser un buen fotógrafo, habré realizado el sueño de mi vida». «¿Y qué te dice el Premio Nacional de Fotografía?» agrega Rodríguez. «Primero deberíamos resolver la fotografía, antes de pensar en este tipo de cosas», concluye el fotógrafo.

Christopher Hara. España Color 1985-2020. RM. 168 páginas. 45 euros.

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