Fashion Week: París celebra el regreso a las pasarelas con tres fiestas muy distintas | Gente

Cuando en 1958 un muy joven Yves Saint Laurent debutó en Christian Dior tras la repentina muerte de su fundador, decidió revolucionar el breve pasado de la marca con una colección, Trapecio, que hizo las rondas de los famosos Nuevo estilo de la casa: en lugar de metros de tela y siluetas ajustadas en la cintura, patrones fluidos y geométricos que se separaban del cuerpo y privilegiaban, consciente o inconscientemente, el confort femenino sobre el artificio estético. Tres años más tarde, en 1961, con Saint Laurent ya entrado en la historia de su empresa, Marc Bohan, entonces director artístico de Dior, crea la apariencia delgada, basada en prendas rectas, funcionales y minimalistas (al menos por la época) que anticipaban un cambio radical en la moda: la geometría en los patrones era de alguna manera la forma de liberar el cuerpo femenino. La prensa aclamó a Yves Saint Laurent por su genio, pero ese éxito no se tradujo en la calle. Con Bohan el clamor se extendió por todas partes. Y solo habían pasado tres años, pero todo había cambiado.

Ahora, que en un año y medio parece que el mundo vuelve a girar, Maria Grazia Chiuri quiso volver a Marc Bohan y su pequeña gran revolución con una colección que, en su mayor parte, actualiza el Dior de los sesenta: los vestidos. con corte evasé, completo con chaqueta recta con minifalda o bermudas y juegos gráficos con colores planos. El director artístico de Dior transformó la carpa instalada en el Jardin des Tuileries en un juego de mesa en el que las modelos circulaban de plaza en plaza. O, más específicamente, en un Juego sin sentido, una de las obras que crió a la artista Anna Paparotti en la década de 1960 y que ahora ha recreado para maison Francés.

La colaboración entre Paparotti y Chiuri, que suele apoyarse en el trabajo de los creadores para enfatizar el trasfondo de su colección (y su posicionamiento feminista), pretende hablar del juego como un umbral entre la realidad y la imaginación, como un espacio en el que los demás. Funcion. Obras, reglas que transforman lo posible en imposible. Y, más literalmente, te invita a celebrar. Porque las bolas de discoteca giraban sobre la tabla y, en la pasarela, junto a la estética de los sesenta, vestidos de lentejuelas relucientes que revivían el estilo disco de los setenta (tendencia recurrente también en las pasarelas milanesas y londinenses) y la ropa deportiva, incluso jeans, con más impresiones diurnas y nocturnas.

Maria Grazia resume esta fiesta latente en la colección evocando al Piper Club, una discoteca romana que, como Le Palace en París o Studio 54 en Nueva York, en los años 70 simbolizaba la unión entre intelectualidad y hedonismo. Una idea que, por supuesto, le ayuda a hacer lo que mejor sabe hacer: vestir a todo el mundo. Porque debajo de esas bolas de discoteca y en esa mesa alegórica vimos chaquetas, vestidos funcionales y de evento, bailarinas, zapatillas deportivas, plumíferos y hasta jeans. Si algo ha aprendido Dior con Maria Grazia, además de hacer moda con un look femenino tan necesario, es actualizar los códigos del lujo para dar cabida a todo tipo de público.

De celebración y comunidad, aunque de forma muy diferente, los dos grandes nombres hablaron en el primer día de desfiles del pasado lunes. Kenneth Ize está de vuelta en la pasarela parisina después de su aclamado debut justo antes de la pandemia. En este año y medio, el joven creador nigeriano ha tenido tiempo de establecerse como uno de los nuevos nombres más repetidos de la industria e incluso de forjar una colaboración con la marca Karl Lagerfeld, ahora encabezada por la consultora creativa Carine Roitfeld. Cuando esa creciente fama se traduce en venta (algo ya conocido que no suele asociarse) Ize reinvierte las ganancias en la ampliación de su propio taller en Ilorin, un pequeño pueblo al norte de Lagos, donde un grupo de artesanos crean para él la asoke, una tela centenaria con rayas multicolores que ha dejado su seña de identidad, utilizándola como base para crear prendas de sastrería occidental. Después de dos colecciones más oscuras y contenidas que presentó en mira un libro, Ize ha vuelto a crear prendas brillantes. Trajes unisex de dos piezas y vestidos ligeros con flecos que mezclan elementos europeos y africanos. Su estilo sencillo y reconocible, que no pretende escandalizar pero ni siquiera deja indiferente, es casi tan excepcional como su modelo de negocio, que demuestra que el encuentro entre la sostenibilidad, la verdadera artesanía y el desarrollo de comunidades empobrecidas es posible.

Para Marine Serre, la idea de comunidad es, de hecho, la única salida posible para este sector en un futuro próximo. El creador, pionero de reciclado (usando telas sobrantes) creó su colección más limpia hasta la fecha. 45% de materiales reciclados, en su mayoría jeans, y 45% de sobras, manteles y toallas viejas que se han transformado en prendas innovadoras de labor de retazos. Son esas mismas piezas del hogar las que dan peso a su colección, Ostal 24, presentada a través de un vídeo en el Museo de Historia de París, una historia que ahonda en todas esas nuevas utopías que la pandemia ha instalado en nuestras mentes: la vida en el campo. , el culto a la vida cotidiana o la felicidad del trabajo simple y manual. Serre va perdiendo poco a poco su conocido motivo de media luna, presente solo en algunas piezas, para adentrarse en un diseño más complejo y menos dramático. También se deshizo de esos desfiles apocalípticos con los que se hizo famosa. Si en tu colección anterior hablabas de la importancia de los lazos familiares, en este discurso hablas implícitamente del rechazo al consumo masivo y del optimismo que devuelven las prendas longevas y sencillas.