El futuro del cine como forma de arte | Cultura

En los últimos tres años, un terremoto ha sacudido el mundo del cine. La culpa: una combinación de varios factores que han afectado a varios sectores de la industria. A una nueva generación de autores que están reemplazando los nombres clásicos del cine de autor europeo finalmente se ha sumado la aparición de todo un grupo de directores, la búsqueda de diferentes formas expresivas decididas a hacer películas que solo se pueden entender en una sala, y – en términos de premios: la entrada de un gran número de votantes extranjeros en la Academia de Hollywood. El resultado: los dos últimos premios Oscar han presentado películas construidas al margen de la industria, como parásitos del coreano Bong Joon-ho (que acababa de ganar la Palma de Oro en Cannes 2019), y tierra nómada, de Chloé Zhao (que había ganado en Venecia 2020). En el festival de San Sebastián, que cerró este sábado, coincidieron los ganadores de los últimos cuatro grandes concursos: la diosa georgiana Kulumbegashvili (Comienzo, Zinemaldia 2020), el rumano Radu Jude (Mala suerte follando o porno loco, Berlinale 2021), y la francesa Julia Ducournau (Titán, Cannes 2021) y Audrey Diwan (El evento, Venecia 2021).

EL PAÍS les preguntó a ellos y a otros importantes creadores sobre el futuro del cine como forma de arte y si se sienten parte de este nuevo movimiento. No estamos hablando de plataformas, taquillas o presupuestos, sino de esa experiencia que aleja al público, del alma de las obras. Y en un momento en el que museos como el MoMA de Nueva York, el Centre Pompidou de París o el Reina Sofía de Madrid acogen obras tanto experimentales como documentales o audiovisuales más clásicas y apuestan por el cine en sus actividades, los encuestados están regateando por esa posibilidad. : la mayoría enfatiza que el objetivo final es el público y que el cine nació como un arte popular. «Nunca lo olvidaremos», insiste la francesa Céline Sciamma.

Cuando el año pasado la Diosa Kulumbegashvili (Oriol, Rusia, 35) ganó cuatro premios, incluido el Concha Dorada, con su Comienzo, estaba claro que había un director poderoso allí. Su voz se escuchó en el disco de la 69 edición del festival de San Sebastián, porque el georgiano presidió el jurado de la sección oficial. Para ella «el futuro aprieta la forma». Y, para ello, surge una pregunta: «Tenemos que preguntarnos si la narración simplemente tiene que suceder o si es el resultado de una atmósfera, del juego con la forma y el tiempo». Y, de hecho, siente que el cine está montando una ola de cambio. “Curiosamente, de estos cuatro grandes ganadores de festivales de clase A, tres son mujeres y sus jurados no evaluaron el género. Creo que se necesitan aún más directoras para normalizar este proceso ”. En el jurado que presidió, y que en realidad otorgó una Concha de Oro a un creador, el rumano Crai Nou (Blue Moon), de la debutante Alina Grigore – también estuvo la francesa Audrey Diwan (Paris, 41), que hace dos semanas ganó el León de Oro veneciano otorgado por otro jurado especial: presidido por la surcoreana Bong y dentro estaba Zhao. «Cuando terminó la ceremonia de premiación, Zhao me explicó que disfrutaron de las películas sin ver quién las dirigía, y solo más tarde se dieron cuenta de que era una mujer», dice Diwan. “Cuando se trata de directores, Kathryn Bigelow allanó el camino para que una mujer dirigiera cualquier género, en lo que no nos detuvimos temas femeninos. En cuanto al futuro del cine como arte, está claro que se trata de educar a los niños para que aprecien ese arte y lo comprendan. ¿Saben lo que les digo a mis hijos antes de poner una película en casa? Qué es una «película prohibida». Y los engancho. Sé por su reacción que no tengo que preocuparme por el futuro del cine «.

Julia Ducournau (París, 37) provocó un terremoto hace dos meses en Cannes al ganar la primera Palma de Oro para un cineasta en solitario, y al hacerlo también con una película radical en su narrativa, aunque clásica en sus formas, como Titán, que abrumaba a los espectadores. «A veces siento que hay un cambio», admite Ducournau. “Por supuesto, así fue como lo viví en el escenario de Cannes con La Palma en la mano. Lo que estaba pasando era más grande que mi película, que yo mismo … De repente, miré hacia un futuro abierto a todos ”. Sobre el arte explica: “Veo películas que reactivan mi fe en el cine como arte. Y solo puede obtenerse de la libertad creativa. Como en la literatura, en la pintura … a veces lo sientes. Y cuando se trata de ganadores de festivales, no hay vuelta atrás. Hay presión por algo tan lógico y obvio como la paridad. Ser parte de esto me emociona ”.

Cuando el rumano Radu Jude (Bucarest, 44) escucha la pregunta sobre el futuro del cine, se levanta, se sienta junto al periodista y saca su móvil para abrir TikTok. “Esto es lo que no puede ser, no podemos creer que todo audiovisual sea cine o que el cine se parezca al audiovisual”, dice. “Olvidémonos de Hollywood, o de esas apuestas por otros formatos: de IMAX hemos pasado a las tres dimensiones, ahora estamos hablando de realidad virtual. Creo que la reflexión nos salvará como arte, que la vertiente epistemológica del cine será la base de ese futuro. Porque si piensas en el lado del renderizado, ya tienes TikTok: lo que ves es lo que obtienes. No necesitas el cine para ver el mundo, solo necesitas una aplicación en tu móvil ”, comenta mientras videos y melodías se conectan en la pantalla de su teléfono.

Con su fascinante filmografía, Céline Sciamma (Pontoise, 40) se ha convertido en la directora europea de referencia con una enorme influencia en generaciones de jóvenes directores. Tu voz es respetada. “No puedo separar el futuro del cine de los cambios políticos y sociales. Aquí es cierto que tenemos el viento a nuestro favor. Y el apoyo de los festivales al cine más arriesgado es una buena noticia. Pero es importante confiar en ideas sólidas. De lo contrario, no podremos resistir, seguir adelante ”, reflexiona el director de pequeña maman (2021). «Este es el camino. De otro saldrán películas flácidas. Y para mí una película se ve en los cines. No me preocupa el futuro del cine como forma de arte, me preocupa que triunfe la flacidez».

Carlos Saura (Huesca, 89) amas una enorme filmografía que marcó la segunda mitad del siglo XX en el cine español. En los últimos tiempos, más allá de sus películas musicales, ha realizado cortometrajes con fotosaurios, que es como él llama a las fotografías que tomó, que luego transforma en dibujos para ser la base de esas películas. Todos los días ve un par de películas, y para ello explica: “No sé a dónde irá el cine, ni lo pienso mucho. Como espectador me acuesto muy tarde, casi a las tres de la madrugada, y veo de todo: desde buenas películas hasta malas, y así aprendo lo que no quiero hacer ”. ¿Y qué es lo que quieres hacer? “No sé, lo que tengo claro es lo que no quiero hacer. Esa misma reflexión se aplica a mí para el futuro del cine como arte. No sé a dónde irá, pero seguro que irá ”.

El franco-argentino Gaspar Noé (Buenos Aires, 57) ha revolucionado durante mucho tiempo el festival de cine de Cannes con sus películas. En sus dos últimas películas, luz eterna (2019) y Vórtice (2021), optó por la pantalla dividida. “El cine es una cosa, la televisión es otra y ahora se mezclan”, dice. “Si en una década los grandes distribuidores son Amazon o Apple, las películas se estrenarán primero en las plataformas y luego en los cines, y luego tal vez el espectáculo en los cines sea una cosa burguesa. El consumo popular se realizará en casa. No me importa como director. Lo que me parece un tema delicado es la financiación. Hagamos lo que hagamos, arte o entretenimiento, si el dinero viene de esos conglomerados, cercanos a grupos conservadores, sufriremos censura, el riesgo desaparecerá. Vea cómo ha desaparecido el erotismo en los últimos dos años. Es el advenimiento de una era gélida ”. En cambio, el mexicano Alonso Ruizpalacios (Ciudad de México, 43) está asustado por «el exceso de información audiovisual». El director, procedente del teatro, ha ahondado en la creación y el riesgo hasta llegar a Una película de detectives (2021), premio a la contribución artística a la última Berlinale, en la que utiliza en desgastado la voz de dos verdaderos policías para contar su día a día mientras en la pantalla son interpretados por dos actores. “La insaciable búsqueda de contenido me entristece. Realmente, ¿el mundo necesita otra película u otra serie? El cine como arte debe responder a esta pregunta, esa y la obligación que tenemos como artistas de ofrecer disfrute, de sumergir al público en los sueños y en el inconsciente. ¿A donde vamos? No lo sé, pero seguro que será en un campo en el que ya ha estado Jean-Luc Godard ”.

Cuando el museo del cine Hollywood Academy en Los Ángeles finalmente abra el próximo jueves, en una de sus ventanas verás el iPhone con el que Sean Baker (Nueva York, 49) rodó en su totalidad. Mandarina (2015). Con El proyecto Florida (2017) se confirma como una de las grandes voces del cine independiente American, y la proyección de Cannes de Cohete rojo dividió a la audiencia. «Nos están empujando hacia los museos, y no sé …», se ríe. “Es extraño porque como autor siento que estoy creciendo como artista. Para mí, el futuro se trata de humanos, no de franquicias de superhéroes. Si analizas a los creadores de los setenta, te encuentras con las mismas dudas, que ellos superan con pasión. Mientras alguien celebre el buen cine, habrá buen cine ”.